Уже перші малюнки Пикассо, виконані в барселонській художній школі й Академії Сан^-Фернандо, виглядають як добутку майстра, що повністю володіє технікою малюнка. У картині Мулен де ла Галетт (1900) почувається інтерес дев'ятнадцятирічного художника до нічного життя Парижа, особливо такий, який її зображував Тулуз-Лотрек. З початку 1900-х років у творчості Пикассо прийнято виділяти кілька періодів, яким по величезній стильовій розмаїтості й розходженню формального ладу навряд чи можна знайти паралелі в інших художників.

Картини Пикассо «блакитного періоду» відбивають мир самотньої людини. Іноді в роботи художника проникають ліричні нотки, наприклад у картині Блакитна кімната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), але більше типові для цього періоду його творчості мотиви вбогості й крайньої утоми. На картині Старий гітарист (1903, Чикаго, Художній інститут) зображена подовжена, болісно зігнута фігура. Всепроникаючі блакитні кольори - візуальний акомпанемент меланхолійної мелодії. Загадковість і замисленість, розлиті в добутках Пикассо цього років, немов досягають граничної концентрації у великому полотні Життя (1903, Кливленд, Музей мистецтва). Молода пара зі смутком дивиться на жінку, що тримає на руках дитини.

«Рожевий період» (1905-1906) відзначений радикальною зміною кольорів і настрою у творчості Пикассо. Блакитнуватий тон робіт попереднього періоду поступився місцем ніжним відтінкам рожевого й сірого в сполученні з яскравими квітами. У ці роки Пикассо часто зображував клоунів, акробатів і бродячих циркових артистів. Картина Родина бродячих циркачів (1905, Вашингтон, Національна галерея) на перший погляд здається вільно й широко написаною яскравою віньєткою з фігур акробатів. Вдивившись уважніше, глядач зауважує, що кожен персонаж психологічно відділений від інших і тут панує атмосфера самітності. До цього періоду ставляться також численні гравюри й перша серія скульптур.

У роботах, виконаних улітку 1906 у містечку Госол в іспанських Піренеях, уперше з'являються симптоми рішучого розриву із класичною традицією. Як Гоген, Бранкузи й фовисты, Пикассо відчув необхідність почати спочатку, звернувшись до наївного, примітивного мистецтва. М'яка елегантність змінилася брутальностью масивних і твердих форм. Фігури придбали пластичні якості древньої іберійської скульптури. Первісна міць почувається й у Портреті Гертруди Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополітен), і в Автопортреті (1906, Філадельфія, Художній музей).

Пикассо ніколи остаточно не відмовлявся від сюжету, оскільки зміст кубізму багато в чому полягає в дослідженні відносини твору мистецтва до реального миру. Наприклад, у Натюрморті на плетеному стільці композиція, уписана в овал, обрамлена дійсною мотузкою; усередині картини виявляються зіставленими гострі кубистические площини, букви JOU і те, що покликано зображувати плетене крісло (шматок клейонки від дешевих меблів). Букви JOU можна інтерпретувати як початок слова journal (газета) або розуміти дослівно ( jou - корінь французького слова jouer - грати). Картина дійсно є грою, тому що художник пропонує глядачеві зіставити різні рівні реальності: шматок дійсної мотузки, плетінку від крісла й мальовничу поверхню.

Починаючи з 1912 кубізм приймає новий напрямок розвитку й одержує назву «синтетичного кубізму». Процес розкладання форм на невеликі фрагменти змінився декоративністю, що перетворює картини в площинні барвисті панно. З 1912 широко використається техніка колажу (тобто побудови композицій зі шматочків паперу й інших матеріалів, наклеєних на полотно). У цьому жанрі Пикассо досяг чудових результатів, доповнюючи мальовничі композиції підходящими за змістом газетними ілюстраціями або фрагментами текстів. Наприклад, він наклеював на полотно фотографію рибацького судна так, що виходив, начебто корабель ловить рибу в намальованому келиху вина.

Простір більших картин, створених між 1913 й 1919, таких, як Арлекін (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва), заповнено яскравими контрастними плямами кольорів; подібні декоративні ефекти вже далеко відстоять від головоломок аналітичного кубізму. Вище досягнення в цьому стилі - дві картини з однаковою назвою Три музиканти, створені в 1921 (Нью-Йорк, Музей сучасного мистецтва; Філадельфія, Музей мистецтва).

Для Пикассо протягом усього його довгого творчого шляху було характерно прагнення працювати в декількох різних стилях одночасно. Особливо яскраво це виявилося наприкінці 1910-х - початку 1920-х років, коли Пикассо одночасно з кубистическими композиціями створював вишукані й витончені малюнки, такі, як Купальниці (Кеймбридж, шт. Массачусетс, музей Фогг). У кубізмі підкреслювалася площинність зображеного простору, а на пізньому етапі розвитку стилю воно стало заповнюватися яскравими кольоровими плямами. Однак, коли Пикассо хотів передати міць скульптурних форм, він звертався до класичної стилістики, що нагадувала деяких з його картин 1905-1906. Дві сидячі жінки (1920, Нью-Йорк, частка збори) - характерний приклад роботи в цьому напрямку. Великі прості форми модельовані світлом і тінню, що створює монументальний образ, майже настільки ж скульптурний, як і мальовничий.

5.6. “Авиньонские дівиці”.

В 1905 р. Пикассо створює свою знамениту серію “Акробати”, “Дівчинка на кулі”, “Родина акробатів” й інші композиції “рожевого” періоду, виконані м'якого ліризму, ще більш деталізовані, близькі до натури, чим попередні роботи. Вони не передвіщають того перелому у творчості художника, що наступає раптово й з усією різкістю проявляється вперше у великій композиції “Авиньонские дівиці”. Ця картина була почата в 1906 р. у манері, досить близької попередньої: портрет Гертруди Стайн, “Дві оголені жінки” (обидві картини написані в 1906 р.). Але коли вона була закінчена, в 1907 р., у ній не залишилося нічого, що нагадувало б колишнього Пикассо “рожевого” періоду. П'ять оголених жіночих фігур, зображених у різних ракурсах, що заповнюють майже вся